A Strasbourg, en janvier 2013, nous avions été impressionnés par la beauté de ce travail sans concession, mettant le texte de Marivaux en vie par le corps autant que par la voix. Nous avons alors proposé à Grégoire Strecker et son équipe de venir en résidence à Vitry, pour continuer leur recherche et la présenter en région parisienne sous une forme plus accomplie. Le CENTQUATRE – PARIS s’est associé au Studio-Théâtre pour la programmation commune d’une série exceptionnelle de huit représentations, au Studio-Théâtre.

vendredi 3 octobre à 20h *
samedi 4 octobre à 20h *
dimanche 5 octobre à 16h
lundi 6 octobre à 20h *
vendredi 10 octobre à 20h *
samedi 11 octobre à 20h *
dimanche 12 octobre à 16h
lundi 13 octobre à 20h *

 au Studio-Théâtre de Vitry, en collaboration avec le CENTQUATRE – PARIS

(* NAVETTE RETOUR au départ du Studio-Théâtre direction Châtelet)

CIE CHAMP 719

C’EST SEULEMENT QUE JE NE VEUX RIEN PERDRE / LA DISPUTE

de Marivaux
théâtre-performance (à partir de 16 ans)

mise en scène Grégoire Strecker
dramaturgie Julie Sermon
création lumière Nicolas Ameil
création sonore Thomas Prulière
production / diffusion Mara Teboul – L’œil écoute

avec
Quentin Bouissou, Benjamin Candotti-Besson, Alban Laval, Béatrice Venet, Charlotte Van Bervesselès, Charles Zevaco

Le Studio-Théâtre de Vitry et le CENTQUATRE – PARIS sont partenaires pour l’accueil d’équipes artistiques en résidence de création

production Cie Champ 719, reprise Studio-Théâtre de Vitry, en collaboration avec le CENTQUATRE – PARIS, avec le soutien du ministère de la culture et de la communication- DRAC ALSACE, avec la participation de la Région Alsace, avec la participation artistique du Jeune Théâtre National, avec le soutien du DIESE # Rhône Alpes, résidence d’essai Ferme du Buisson / Scène Nationale de Marne la Vallée

© Antoine Strecker

« C’est la nature elle-même que nous allons interroger. »

Un prince et une femme, une dispute.

Une dispute, d’où nait une fête, une comédie, une expérience qui doit déterminer l’origine de la première inconstance, infidélité. L’homme ou la femme ? Adam ou Eve ?

Quatre adolescents séquestrés depuis leur naissance, qui n’ont jamais vu d’autres humains que leurs nourriciers, sont lâchés afin de rejouer « les premières amours tel qu’ils étaient » sous les yeux de ce prince et de cette femme.

© Antoine Strecker

« L’image dans la mesure où elle exprime un être nu est un médium parfait entre l’objet dans l’esprit et la chose réelle, et comme telle, elle n’est pas simple objet logique ni entité réelle : elle est quelque chose de vivant (« une vie »).
Elle est le tremblement de la chose, elle est ce frémissement dans lequel elle se donne à connaître. « Les formes qui existent dans la matière, écrit un élève d’Eckhart, ne cessent de trembler comme dans un détroit de mer en ébullition. C’est pourquoi on ne peut rien concevoir de stable à leur sujet. »
La nudité du corps humain est son image, c’est-à-dire le tremblement qui le rend connaissable, mais qui reste en soi insaisissable. »
Nudités, Giorgio Agamben.

« Si de même que nos corps sont habillés, nos âmes à présent le sont aussi à leur manière. Le temps du dépouillement des âmes arrivera, comme le temps du dépouillement de nos corps arrive quand nous mourons. »
Le cabinet philosophe, Marivaux

D’une dispute sur les lois du désir à l’affirmation d’un désir sans bornes. C’est ce que suggère la phrase-titre retenue par Grégoire Strecker pour répondre à la question posée par Marivaux : « Qui, des deux sexes, a trahi le premier ? » A défaut d’avoir assisté « au commencement du monde et de la société », un prince fait élever, dans des enclos séparés, des cobayes humains, mâles et femelles, pour les plonger, à l’âge adéquat, face à eux-mêmes et à l’autre sexe, et observer les oscillations du désir amoureux. Entre prophéties auto-réalisatrices et dérapages contrôlés, c’est à une expérience in vivo que sont livrés les êtres, manipulés par un pouvoir qui entend, à travers eux, disséquer les sentiments. Le jeune metteur en scène a repoussé le monarque hors de scène, dans un futur de science-fiction d’où l’amour rejaillirait des brusqueries d’enfants sauvages et des mots déplacés. La Dispute ne ferait plus théâtre de son texte mais des corps qui paraissent le contenir, comme rentré dans les mouvements d’une animalité en cage. Des êtres nus, non policés, pleinement exposés, tour à tour incandescents, inquiétants ou cocasses dans l’expression de leurs désirs. Le tableau évoquerait les créatures de Bosch (Jérôme) plus que les marquises de Boucher (François). La composition de Marivaux, toute de symétrie hétérosexuée, serait cassée, pour trouer les miroirs et écorcher les peaux, atteindre aux organes vitaux, s’en remettant à « l’intelligence d’un non-savoir » chez les comédiens pour répondre au non-savoir des personnages sur leur origine et destination. La « dispute » serait ainsi une guerre sans merci entre verbe et chair, dans laquelle le corps, l’écoute et le regard du spectateur sont confrontés aux pulsations intimes du désir.

Compagnie CHAMP 719

La compagnie se veut être un espace, un temps, un champ toujours à réinventer, à re-labourer si l’on peut dire, en vue d’une création. Une mise à disposition commune de temps et de moyens pour faire émerger un «quelque chose». Un «quelque chose» qui ne peut que résulter de l’accident, de l’instinct, du hasard, de tout ce qui n’est pas déjà prédéfini, «pré-théâtral», un «quelque chose» qu’on désire non achevé et pourtant comme une ligne dont le point de fuite ne nous appartient plus, un «quelque chose» comme avant tout résultat d’une expérience humaine, une mise en danger pour nous et pour vous. Car nous désirons partir de ce point invisible, à la fois physique et psychique, d’où une écriture semble jaillir, où le sens d’une œuvre semble se cacher. Chercher, traquer ce point afin qu’il en découle une poétique de la scène…

2009 : Des couteaux dans des poules de David Harrower, mise en scène Grégoire Strecker – Théâtre de l’Aktéon / Centre d’Animation des Halles. Création de la compagnie Champ 719 par Grégoire Strecker.
2010 / 2011 : diptyque Des couteaux dans les poules (Harrower) / Intérieur (Maeterlinck) – CENTQUATRE / Anis Gras. Des couteaux dans les poules – TAPS de Strasbourg, coup de pouce / Théâtre de l’Odéon, Festival Impatience. Fiction d’hiver de Noëlle Renaude – Centre d’Animation des Halles.
2011 / 2012 : Fiction d’hiver de Noëlle Renaude – Centre d’Animation des Halles / Théâtre de l’Aquarium. Je te peindrai pour effacer ton visage – Mélancholia de Jon Fosse – Galerie Lebenson, Paris.
2012 / 2013 : C’est seulement que je ne veux rien perdre – La Dispute de Marivaux – résidence d’essai à la Ferme du Buisson / CENTQUATRE / TAPS de Strasbourg.
2013 / 2014 : En Série – sérigraphie de portraits : Si d’Hélène Bessette, Zones de Jean Rolin, Mauvais sang d’Arthur Rimbaud, De tant en temps de Noëlle Renaude – résidence d’essai au CENTQUATRE et à la Ferme du Buisson, squat Le Shakirail, Galerie Lebenson, La Loge.

Grégoire Strecker, mise en scène, scénographie/responsable artistique.

Né en 1984, il se forme au conservatoire de Strasbourg dans la classe de J. Bachelier, à partir de 2000, tout en intégrant la compagnie La Mesnie H, où il joue divers rôles. Parallèlement, il étudie à l’université les lettres modernes. En 2007, il intègre La compagnie Luc Amoros, où il joue le rôle titre dans L’éternel tournage (les festivals in de rue). En 2008, il fonde la Compagnie champ 719, au sein de laquelle il assure la direction artistique et les mises en scènes. Dans le même temps, il donne des cours amateurs pour adultes et enfants à L’école Mélodie 7. Il joue dans le L-M Amour de jeunesse de Mia Hansen Love, fait des doublages et participe à divers stages.

Nicolas Ameil, créateur lumière/responsable technique.

Formé à la régie lumière au City of Wesminster College à Londres, il a travaillé avec The English Pocket Opera pour des opéras comme Les Clowns ou La Flute enchantée, ainsi qu’avec l’Institut Français de Londres, accueillant, à l’occasion des fêtes de la musique, de nombreux artistes francophones tels que Alexis HK, L’Attirail, Les Orientales, Lo*Jo ou Dominique A. A Paris, il multiplie les expériences dans l’événementiel ou le théâtre, notamment au Palais des Congrès de Paris et au théâtre des Bouffes du Nord. Installé en résidence depuis septembre 2008 au Centre d’animation les Halles le Marais du forum des halles en tant que régisseur de la salle de spectacle, il est régulièrement sollicité par de jeunes compagnies pour faire la création lumière de leurs spectacles. Il met notamment en lumières les spectacles de la compagnie Ose et de la compagnie Abréactives Zones ainsi que les spectacles de la compagnie de la Porte au Trèfle et de la compagnie le Don des Nues pour le théâtre et crée en 2011 les lumières pour le spectacle Les forces contraires présenté à Paris à la Loge. Depuis 2008 il travaille sur les créations lumière de la Compagnie champ 719.

Julie Sermon, dramaturge.

Née en 1978, elle mène une thèse intitulée L’effet-figure, états troublés du personnage contemporain (Jean-Luc Lagarce, Philippe Minyana, Valère Novarina, Noëlle Renaude), qu’elle soutient en 2004 à l’université Paris 3-Sorbonne Nouvelle. Enseignant-chercheur à l’université Lyon 2 depuis 2008, elle consacre ses recherches aux écritures textuelles et scéniques contemporaines. Auteure de divers articles publiés dans les revues Agôn [en ligne], Frictions, Ligéia, Registres, Théâtre / Public, elle a co-signé, avec Jean-Pierre Ryngaert, Le personnage théâtral contemporain : décomposition, recomposition (Éd. Théâtrales, 2006), et a dirigé, en 2009, le n°193 de la revue Théâtre / Public, « La marionnette ? Traditions, croisements, décloisonnements ». Parallèlement, elle travaille comme dramaturge avec Johanny Bert, Frédéric Maragnani Robert Cantarella, Michel Didym, Joan Ollé (Barcelone).

Thomas Prullière, créateur sonore.

Formé à l’école de la Fémis en section son, il travaille notamment comme monteur son/ compositeur de musique/ créateur son et vidéo à la fois pour le cinéma, la danse, la publicité ou le théâtre.En 2011, Il travaille notamment dans Drari de Kamal Lazraq (deuxième prix de la cinéfondation, festival de Cannes), un moyen métrage de Nicolas Maury, Sous les arbres de Frédéric Maragnani. Avant, il a travaillé avec Albert Hoffman pour Perceptions, TSR Suisse, a fait le montage son pour Nuevo baile (Festival de Clermont Ferrand en 2011), pour la Compagnie “Das Plateau” à Main d’oeuvre (”Sig Pauer Pro”) et le film Blanck (Arte). Sinon en 2003, pendant un mois il était bibliothécaire et depuis qu’il est tout petit il est passionné de cuisine, notamment végétarienne.

Quentin Bouissou, comédien.

Avant de suivre les cours de Bruno Wacrenier au conservatoire du 5ème arrondissement de Paris, il se forme à L’ENMAD. Il joue dans Beaucoup de Bruit pour rien de Shakespeare, dans La petite Molière d’Anouilh à Ciel Ouvert en 2008, dans Je suis le peuple qui manque au sein de La compagnie Hirsute au Théâtre Pierre Tabard, dans La prise de la Bastide avec Les Tistics, dans Un caillou dans la semoule mis en scène de J. Lepers au Théâtre du Rond Point en 2009. En 2010, il intègre La compagnie champ 719.

Benjamin Candotti-Besson, comédien.

Titulaire d’un DET obtenu dans le cycle spécialisé de L’ESAD dirrigé par J-C Cotillard, il obtient également un master d’étude théâtrale à Paris 3. Il suit les cours du conservatoire du 18ème arrondissement avec J-L Galmiche, puis du 5ème arrondissement de Paris avec Bruno Wacrenier. Il travaille notamment avec Caroline Erhardt, Rod Godall, Christian Esnais au CDN d’Orléans, Patrick Haggiag au CDN de Gennevilliers. Depuis 2004, il partipe aux créations de la compagnie Uburik. En 2010, il intègre la Compagnie champ719.

Alban Laval, comédien.

Né en 1980, il fait ses premiers pas en 2003 avec Les productions de la fabrique, où il joue notamment Les cancans de Goldoni. En 2006, il intègre le conservatoire du 10ème arrondissement dans la classe de M. Garay. Il joue en 2008 Le bohneur à portée de main au Théâtre du Rond Point. En 2008, il joue dans Des couteaux dans les poule” au sein de la Compagnie champ 719 et il intègre la formation professionnelle d’art dramatique du conservatoire du val Maubuée, il y travaille avec Mourad MANSOURI, Michel ARCHIMBAUD, Laurent GUTMANN, Guy FRECKS, Adel HAKIM, Michel CERDA, Jean-François AUGUSTE et Cyril TESTE. En 2010, il adapte et interprète le roman de science-fictionSubstance Mort de Filip K. DICK sous le nom Il devient quoi Charles FRECK?, présentée à la Ferme du Buisson et obtient le Diplôme d’Etude Théâtrale (D.E.T.). En 2011/2012, il joue dans Fiction d’hiver au sein de la Compagnie champ 719.

Béatrice Venet, comédienne.

Après des études littéraires à Strasbourg, Berlin puis Paris (Master d’Allemand et licence de Lettres modernes), elle se forme à l’art dramatique aux conservatoires du 16e arrondissement (Stéphane Auvray-Nauroy) et 8e arrondissement (Marc Ernotte). En 2009 elle intègre la promotion X de l’école supérieure de la Comédie de Saint-Etienne et au cours de ses 3 ans de cursus elle travaille sous la direction notamment de Michel Raskine, Gwenaël Morin, Olivier Py, Laurent Hatat et Robert Cantarella avec lequel elle joue au printemps 2013 dans une adaptation de Faust à la ménagerie de verre. Parallèlement à son métier de comédienne, elle suit une formation de clown au CNAC dirigée par Cédric Paga en 2013. La même année, elle participe à la création du Collectif X  et joue sous la direction d’Arthur Fourcade dans Villes#1-Saint-Etienne  et met en scène L’histoire de Pelléas et Mélisande, une adaptation de la pièce de Maeterlinck. En 2009 elle joue au sein de La compagnie champ 719 dans Des couteaux dans les poules de David Harrower et en 2013 Portrait 1: Si de Hélène Bessette, au Théâtre de La loge et qui a été présenté au Centquatre suite à une résidence.

Charlotte Van Bervesselès, comédienne.

Née à Charleville-Mézières en 1989, elle intègre la Classe de la Comédie de Reims en 2007 (direction Emmanuel Demarcy-Mota). Elle travaille entre autres avec Jean- Pierre Garnier, Cyril Anrep, François Regnault, Laurence Roy, Joséphine Derenne, Victor Gauthier Martin. Au sein de cette Classe, elle joue dans L’Eveil du printemps de Frank Wedekind, Léonce et Léna de Georg Büchner, mis en scène de Jean-Pierre Garnier, dans Atteintes à sa vie de Martin Crimp mise en scène d’Emilie Rousset. Elle se forme ensuite au Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique de Paris à partir de 2009, aux côtés de Phillipe Torreton, Daniel Mesguich, Phillipe Duclos et Nada Strancar. Parallèlement elle participe à plusieurs stages de marionnettes en France et en Allemagne, pratique le chant, la danse et le masque.

Charles ZEVACO, comédien.

Parallèlement à des études universitaires (Histoire – Paris IV-La Sorbonne), il suit les enseignants de Daniel Berlioux et de Bruno Wacrenier, successivement aux conservatoires d’art dramatique des 7e et 5e arrondissements de Paris. Il intègre l’école du TNS en 2008, et se forme auprès de Julie Brochen, Claude Régy, Jean-Pierre Vincent, Krystian Lupa, Gildas Milin, Bruno Meyssat, Laurence Mayor, Caroline Marcadé et Marc Proulx. Depuis, il travaille avec Yves-Noël Genod (Chic by accident, Ménagerie de Verre, mars 2012) et Amélie Enon (Et la nuit sera calme, festival Premières Strasbourg). En septembre il rejoindra IngridRekowski (Limbus limbo, TNS, Opéra Comique de Paris), retrouvera Amélie Enon en 2013 au Théâtre de la Bastille, puis au NEST-Théâtre (CDN de Thionville), et participera à la création de Maxime Kurvers, Spielraum. Il travaille également au sein du collectif Notre cairn (Strasbourg), pour lequel il créé Sur la grand route d’ Anton Tchekhov, dans le cadre d’une tournée itinérante en Alsace, durant l’été 2012.

D’avril à mai nous accueillons Odile Darbelley et Michel Jacquelin pour la création du quatrième épisode de NOUS NE POUVONS CONNAÎTRE LE GOÛT DE L’ANANAS PAR LE RÉCIT DES VOYAGEURS. Nous aimons leur approche singulière du plateau, nourrie de leur connaissance profonde des arts plastiques, et animée d’un humour délicat et toujours décalé. Entre autobiographie et auto-fiction, chaque épisode propose la restitution de la vie d’un artiste en sa présence et avec sa complicité. La tranche 4 de leur ANANAS aura pour invité André S. Labarthe, critique et réalisateur de cinéma

vendredi 23 mai à 20h30
samedi 24 mai à 20h30
dimanche 25 mai à 16h
lundi 26 mai à 20h30

NOUS NE POUVONS CONNAÎTRE
LE GOÛT DE L’ANANAS
PAR LE RÉCIT DES VOYAGEURS

ÉPISODE 4 : André S. Labarthe

réalisation Odile Darbelley & Michel Jacquelin

avec
Jean-Marc Chapoulie
Odile Darbelley
Anna Gaïotti
Michel Jacquelin
André S. Labarthe

régie générale et lumière Guy Merlant

une production commune au fil des épisodes de l’Association Arsène ; Fondation Professeur Swedenborg pour l’Art Contemporain ; CCAM Scène Nationale de Vandoeuvre-lès-Nancy ; Scène nationale 61 ; Frac Provence-Alpes-Côte d’azur ; Théâtre des Bernardines ; Actoral ; Studio-Théâtre de Vitry-sur-Seine ; Théâtre du Bois de l’aune d’Aix-en Provence ; MP13

« Tant que les lions n’auront pas d’histoire, les histoires de chasse seront toujours à la gloire des chasseurs. »
Proverbe africain

Dans ce projet, des artistes bien réels venant d’horizons divers sont invités à être l’élément moteur dans l’élaboration d’une série de propositions théâtrales, entre autobiographie et autofiction. Une bulle gonflable transparente est donnée comme espace de création, à la fois cocon, loupe, lieu de projection physique et mentale.
A chacun de trouver une forme cohérente, un type de relation au public, pour faire partager les expériences qui l’ont constitué en tant qu’artiste. Au fil des rencontres, nous fabriquons, de notre côté, un prototype d’artiste tangent. Ce personnage récurrent inscrit son parcours fictif dans les différentes biographies dont il se nourrit.
Ces biographies, réelles ou imaginées, sont un des éléments qui constituent l’histoire de l’Art Tangent comme une œuvre d’art.

L’invité de cette quatrième tranche est André S. Labarthe. Critique cinématographique, dès 1956 aux Cahiers du Cinéma, producteur, auteur et réalisateur proche de la Nouvelle Vague, il coproduit à partir de 1964, avec Janine Bazin la collection « Cinéastes de notre temps » dont il réalise lui-même plusieurs numéros. Il a fait par ailleurs de nombreux documentaires sur la danse, la littérature et l’art contemporain…
Pour notre projet, André S. Labarthe a proposé d’être accompagné par Jean-Marc Chapoulie, artiste vidéaste, qui dans des formes hybrides, entre performance, conférence et installation, invente des dispositifs de fabrication et de monstration du cinéma.

Odile Darbelley & Michel Jacquelin

Odile Darbelley a reçu une formation de comédienne (principalement auprès de Yorgos Sévasticoglou et Antoine Vitez) tout en poursuivant des études universitaires en particulier à Paris III (maîtrise de Lettres modernes et D.E.A. de Théâtre). Elle est co-responsable de la chronique Arrêt sur image à Théâtre/Public. Comme comédienne, elle participe au Petit Albert et à Pirates, des créations collectives en direction du jeune public, elle joue dans Thrène et Predelle de P. Kermann mis en scène par C. Bokhobza.

Après avoir été reçu en 1982 à l’Agrégation d’Arts Plastiques et avoir soutenu en 1990 sa thèse sur la photographie, Michel Jacquelin mène en parallèle deux activités : celle de plasticien (il expose entre autres au CREDAC et pour la Galerie Michèle Chomette) ; et celle de photographe pour le théâtre et la danse (il photographie en particulier les spectacles d’A. Vitez, T. Kantor, P. Bausch, C. Régy, W. Forsythe et collabore à de nombreuses revues comme Théâtre/Public, La Revue du Théâtre, Mouvement). Il aborde la scénographie en 1992 (spectacles de R. Dubelski, C. Jehanin, M. Guerre, C. Bokhobza, X. Marchand et O. Grandville).

Odile Darbelley et Michel Jacquelin créent ensemble, à partir de 1993, leurs propres spectacles/performances: Les Témoins Oculaires, Victor Singelshot scénographe, F.K./M.J. Séance de scrutation photographique, Hans K., un cas de figure , Le Vivarium (sur un texte de G. Didi-Huberman) et développent à partir de 1996 un triptyque de spectacles, Vvert Célacon The Living Ready- Made (une oeuvre de Duchamp Duchamp), La Chambre du Professeur Swedenborg et Dispositif pour une rencontre avec les Åsa chasseurs de météores (L’Antichambre D’A. Pophtegme). L’ensemble est créé au festival d’Avignon 2001 sous le titre: Un lièvre qui a des ailes est un autre animal. En 2003, ils créent Tout seul je ne suis pas assez nombreux, une pièce de Poussiv’Dance puis les 5 épisodes du Grand Feuilleton. En 2006, après plusieurs propositions autour de la performance, ils expérimentent une télévision d’art et essai avec Tout le Bonheur est à l’intérieur et entreprennent le travail sur l’Art Tangent qui donnera lieu à un livre et à une exposition en 2007. Ils créent Ur Asamlet en 2009, tout en continuant à tourner l’ensemble de leurs productions en France et à l’étranger.
« Conférenciers loufoques, savants illuminés, artistes dérisoires et grandioses, danseurs de hasard, les bouffons poétiques qu’inventent Odile Darbelley et Michel Jacquelin réveillent la drôlerie d’une création contemporaine et interactive, toujours en train de faire face à un public complice et hilare. Elle, comédienne, a suivi l’enseignement d’Antoine Vitez ou de Jacques Lassalle. Lui, plasticien, a photographié les spectacles de Tadeusz Kantor, Pina Bausch ou Claude Régy et réalisé des scénographies pour Richard Dubelski ou Xavier Marchand. Odile Darbelley et Michel Jacquelin explorent un rapport constructif au public, interrogeant la pérennité de l’objet culturel. Par leurs allocutions, exercices, démonstrations et réalisations en direct, ils torturent et triturent le bien fondé de la gravité de toute création artistique. » Pierre Notte (programme du Festival d’Avignon 2003)

En novembre et décembre nous accueillons la création en résidence de ROUGE d’Igor Bucharles, première mise en scène de l’un de ses textes par Charlotte Bucharles. Dans une langue d’une grande densité, Igor Bucharles explore les rémanences infinies d’une catastrophe dont la formulation semble aussi nécessaire qu’impossible… ROUGE a obtenu les aides à la production dramatique du Centre National du Théâtre et de la Drac Île-de-France.

vendredi 13 décembre à 20h30
samedi 14 décembre à 20h30
dimanche 15 décembre à 16h
lundi 16 décembre à 20h30

ROUGE

d’Igor Bucharles
mise en scène, scénographie et costumes Igor et Charlotte Bucharles
lumières Pauline Guyonnet
régie générale Pierre-Damien Crosson

avec
Damien Houssier
Maxime Kerzanet

production déléguée Studio-Théâtre de Vitry; coproduction La Compagnie de l’Entre; avec l’aide à la production dramatique de la DRAC Ile-de-France, Ministère de la Culture et de la Communication, et l’aide à la création du Centre National du Théâtre

Un homme (1) a eu un traumatisme qui l’a rendu presque amnésique et aphasique. Un autre (2) le fait parler. 1 doit alors raconter son histoire : un accident de voiture auquel il a survécu et dans lequel sa femme est morte.

Qui est ce 2 qui vient rendre visite à 1 et qui lui extorque sa parole ? On peut penser à un interrogatoire ou bien à une situation d’analyse. Mais n’est-ce pas aussi une voix intérieure ?

Peu à peu, 1 et 2 entrent dans un étrange processus. Ils repartent sans cesse sur la route de la mémoire. Le mouvement de la voiture les entraîne. La situation se transforme constamment, dérive. Des scènes reviennent, heureuses ou coupables. Ils voyagent dans l’espace et dans le temps. Le rêve et la fiction se mêlent au souvenir.

Entre 1, personnage qui a perdu son identité, et 2, personnage plastique qui a virtuellement toutes les identités, se mettent alors en place des rapports de force, de contradiction, de substitution.

En une série de variations, le texte tourne autour d’un seul point impossible à dire, et se transforme sans cesse. Ce qui est d’abord fixation sur une catastrophe, répétition immobile du passé, se met peu à peu à devenir autre. La parole fait varier les possibles, les différentes versions, les hypothèses, les fictions peut-être nécessaires pour survivre.

Dans une langue dense et rythmique, ROUGE donne à entendre un jeu d’absence et de présence, un jeu de deuil et de survie. Et tente d’atteindre, contre l’immobilité de la fixation, le mouvement du jeu, et la joie de recommencer.

2          Encore
Recommence encore

1          Nous partons

2          Oui

1          C’est un matin d’été

2          Oui

1          Nous sommes dans la voiture
tous les deux

2          Oui

1          La route roule devant nous
la route s’en va devant nous

2          Oui

1          Rien ne nous arrête
Nous sommes sur la route
dans le mouvement de la route
Il fait chaud déjà
dans ce matin d’été

2          Oui

1          Et tu es là
à côté de moi
Seulement là
à côté de moi

2          Oui

1          La route roule devant nous
la route s’en va devant nous

2          Oui

1          De part et d’autre
les arbres bougent le long de la route
calmement le long de la route

2          Oui

1          La chaleur sort de la route
et nous entoure

2          Oui

1          Tu es là
à côté de moi

2          Oui

1          Tu dis oui
pour me faire plaisir

2          Oui

1          Mais parce que c’est vrai aussi

2          Je ne sais pas

(…)

1          Où es-tu

Tu es là
Temps bref
Tu es toujours là

2          Non

1          Tu n’es plus là

2          Non

1          Pourquoi tu n’es plus là

2          Parce que je ne suis plus là

1          Tu étais là avant

2          Oui
C’était avant

1          Pourquoi tu n’es plus là

2          Parce que je ne suis plus là

1          Rit
Ce n’est pas vrai
Je t’entends

2          Oui

1          Tu es là alors

2          Non

1          Qui est là alors

2          Je ne sais pas

1          Qui parle alors

2          Je ne sais pas

1          Pourquoi tu ne sais pas

2          Parce que je ne sais pas

Igor Bucharles est né en 1979. Il a fait des études de lettres et de philosophie à l’Ecole normale supérieure et a enseigné quelques années à l’Université. Il écrit des poèmes, des récits et du théâtre.

Charlotte Bucharles est née en 1980. Elle a mis en scène Agatha de Marguerite Duras (2009, Paris Jeunes Talents) et Un jour en été de Jon Fosse (2011, coproduction le Grand T à Nantes, le Théâtre d’Arras et le Théâtre National de Bretagne).

En novembre nous accueillons la création en résidence de LA VILLE de Martin Crimp, dans une mise en scène de Rémy Barché, jeune metteur en scène rencontré à l’école du Théâtre National de Strasbourg. L’occasion de retrouver un grand auteur britannique contemporain dont nous aimons l’oeuvre complexe et troublante.

jeudi 10 novembre à 20h30
vendredi 11 novembre à 20h30
samedi 12 novembre à 20h30

La Ville

de Martin Crimp
traduction Philippe Djian

mise en scène Rémy Barché
dramaturgie Adèle Chaniolleau
son Mickaël Schaller
scénographie Héloïse Labrande, Jean-Baptiste Bellon
lumière Victor Egéa

avec
Marion Barché
Marianne Benne
Alexandre Pallu
Marie-Pierre Rodrigue

production Studio-Théâtre de Vitry, Compagnie Léna sur la charrette

“Ne nous faisons pas d’illusions au moment où elle nous imagine,
la réalité devient notre ennemi numéro un.”
Michelangelo Antonioni

Clair est traductrice, Christopher est informaticien. Elle rencontre un auteur, il perd son travail. Une série d’évènements étranges vont alors se produire, et la violence du monde va s’infiltrer dans le quotidien de ce couple jusqu’ici à l’abri. Une voisine infirmière vient pour se plaindre du bruit que font les enfants dans le jardin ; elle n’arrive pas à dormir à cause des images traumatiques qui la hantent depuis que son mari est parti à la guerre. Les enfants deviennent progressivement incontrôlables, jouant à des jeux atroces et sadiques. Clair et Chris se comprennent de moins en moins. En même temps que les éléments de la fiction sont déroulés, on commence à comprendre qu’ils sont peut-être inventés au moment où ils se produisent. Peut-être que ce que l’on voit, c’est le roman que Clair essaye d’écrire à partir de sa propre vie, de sa ville intérieure.

A la fin de La Ville, comme les six personnages en quete d’auteur de Pirandello, les quatre figures de la pièce de Crimp sont reléguées dans un continent inconnu, où tout serait frappé d’inexistence. Au moment où chacun éprouve un doute profond quant à sa condition d’être vivant dans un monde réel, Clair avoue que ce qu’ils sont en train de vivre, c’est le brouillon d’une fiction qu’elle a tenté d’écrire. Ils seraient donc des personnages. Mais les personnages d’une histoire que Clair échoue à mettre en forme. La confusion qu’elle ressent devant la complexité du monde rend impossible la tentative d’écrire sa vie. Tous se retrouvent exclus du monde réel, et exclus de la fiction. A la différence des personnages de Pirandello, ceux de Crimp ne se révoltent pas. Les Six personnages en quête d’auteur avaient un “drame”, ils trouvaient légitime qu’on leur donne une forme, ceux de la Ville se sentent vides, ils ne voient pas très bien en quoi ils pourraient s’incarner.

Quel est ce monde fascinant et effrayant que décrit Crimp et où il serait impossible de s’incarner ? Il ressemble beaucoup à nos sociétés occidentales. C’est un monde où l’on peut perdre son travail du jour au lendemain, où l’on doit porter un badge pour être reconnu, un monde où la guerre est loin mais fait faire des cauchemars, où les enfants préfèrent se faire saigner que de regarder un merle construire son nid, un monde où l’on craint de mourir d’un cancer, où les mots ont un sens différent pour chacun. Un monde dépourvu de toute profondeur et où la peur est le motif de tous les agissements. La force de l’auteur est qu’il arrive à dépeindre cet univers à travers le délitement du couple que forment Chris et Clair. L’érosion du couple est le symptôme de l’absence de repères de la société dans laquelle ils évoluent. Chacun des deux traverse un moment de crise. Lorsqu’il perd son travail, Christopher sombre dans la dépression, il perd tout sentiment de dignité. Clair en a assez de traduire les mots des autres, mais n’arrive pas écrire avec ses mots à elle. A travers leurs doutes et leur incapacité à les communiquer, c’est tout ce monde en perte de sens que nous fait entrevoir Martin Crimp.

Ce qui est beau et surprenant, c’est que la structure de la pièce elle-même est progressivement contaminée par le malaise des personnages. La Ville est une pièce malade. Chaque scène semble inachevée, les situations se répètent, les personnages agissent de façon absurde… Le texte est plus labyrinthique que linéaire. A travers le personnage de Clair, Crimp semble parler de sa propre incapacité à construire un récit. Il interroge aussi de manière passionnante le statut d’un auteur aujourd’hui. Quel est le rôle d’un écrivain dans cette société de plus en plus superficielle qui s’apparente elle-même a une fiction ? La Ville répond à ces questions par son invention permanente et sa façon de sortir des codes habituels du théâtre. Si la pièce peut susciter l’effroi, elle rassure aussi par sa capacité rare à saisir avec beaucoup d’acuité et de sensibilité cette complexité parfois écrasante du monde.

Rémy Barché

Rémy Barché, metteur en scène

Parallèlement à sa formation en Arts du spectacle à l’université Bordeaux III, il monte La Semeuse de Fabrice Melquiot et Fairy Queen d’Olivier Cadiot. Il crée un audio-spectacle à partir de textes de Sarah Kane et Stig Dagerman pour l’édition 2004 du festival Novart.
Il entre en 2005 à l’École du TNS en tant qu’élève metteur en scène, et monte deux spectacles : Le
Cas Blanche-Neige d’Howard Barker et Cris et chuchotements d’après Ingmar Bergman. Il travaille avec Stéphane Braunschweig, Daniel Jeanneteau et Marie-Christine Soma, Marie Vayssières, Frederic Fisbach, Bernard Sobel, Krystian Lupa.
En 2009/2010, il est assistant de Ludovic Lagarde sur le spectacle Un nid pour quoi faire d’Olivier
Cadiot (CDDB Lorient, Festival d’Avignon 2010). En 2010, il assiste Daniel Jeanneteau et Marie- Christine Soma pour la mise en scène de L’affaire de la rue de Lourcine d’Eugene Labiche.
Il est metteur en scène associé au festival des Nuits de Joux (Haut-Doubs), où il monte La Tempête de Shakespeare (été 2009) et Amphytrion de Kleist (été 2010).
Il prépare la mise en scène La vie que je t’ai donnée de Luigi Pirandello pour la saison 2011/2012
(CDN de Bordeaux, Comédie de Reims, TNT de Toulouse…).
Il intervient régulièrement dans les classes de la Comédie de Reims et en option théâtre au lycée d’Asnières.

En novembre 2009 nous accueillons Laurent Gutmann et le Centre Dramatique National de Thionville-Lorraine avec qui nous poursuivons une relation d’échange et de collaboration entamée la saison dernière (le stage professionnel dirigé par Daniel Jeanneteau s’est déroulé entre Thionville et Vitry ; « Feux » d’après August Stramm a été repris en résidence et joué quatre fois au Théâtre en Bois du CDN ; Marie-Christine Soma signe les lumières du « Cerceau »). Après une session de répétitions dans nos murs au mois d’août, nous présentons pour cinq représentations la mise en scène par Laurent Gutmann du «Cerceau » de Victor Slavkine. Magnifique chef-d’œuvre nourri de réminiscences de « La Cerisaie » de Tchékhov, « Le Cerceau » vient poursuivre la réflexion sur le monde postsoviétique que nous avions entamée en février 2009 avec « Ensorcelés par la mort » de Svetlana Alexievitch.

Le Cerceau

de Victor Slavkine

Le samedi 7 à 19 h
le dimanche 8 à 16 h
le lundi 9 à 19h

le samedi 14 à 19 h
et le dimanche 15 à 16 h

© Béatrice Minda

« Si je vous ai réunis, c’est parce que
nous avons tous quelque chose en commun.
Moi, nous, tous, nous sommes seuls. »

Traduction Simone Sentz-Michel, Editions Actes-Sud Papiers
Mise en scène Laurent Gutmann

Avec Jade Collinet, Bruno Forget, Daniel Laloux, Marie-Christine Orry, Eric Petitjean, François Raffenaud, Richard Sammut

Scénographie Laurent Gutmann et Mathieu Lorry Dupuy
Lumière Marie-Christine Soma
Costumes Axel Aust
Son Madame Miniature
Assistante à la mise en scène Anne-Margrit Leclerc

Petouchok, un ingénieur d’une quarantaine d’années, célibataire et urbain, a hérité, à la suite du décès d’une grand-mère, d’une maison à la campagne. Il décide de réunir cinq amis, plus ou moins proches, pour un week-end dans cette maison qu’il découvre en même temps qu’eux. Les six protagonistes ont en commun de vivre seuls et d’avoir sensiblement le même âge (hormis une jeune femme de 26 ans). Petouchok rêve de faire de cette maison le lieu de rassemblement d’une communauté amicale et informelle, rempart durable contre la solitude de ses membres. Un vieil homme les y rejoindra à l’improviste, ancien amant de la grand-mère décédée. Avec la redécouverte des lettres qu’elle et lui échangèrent pendant de longues années, c’est le passé de chacun des invités du week-end qui sera convoqué.

Par certains motifs, on pense à Tchékhov, (la villégiature, l’oisiveté, un monde qui chancelle – ici l’Union Soviétique –, l’ironie). C’est avec les coups de hache abattant les cerisiers que s’achevait La Cerisaie. C’est avec les coups de hache que donne Petouchok pour ouvrir la maison dont il vient d’hériter que commence Le Cerceau. Comme si Petouchok rouvrait la Cerisaie, quatre-vingts ans après. Mais ce qui pourrait n’être qu’un jeu littéraire assez vain, au mieux un aimable pastiche, débouche au contraire sur le constat d’une impasse, sur la nécessité de réinventer cet héritage.

S’éloignant peu à peu de Tchekhov, la voix de Victor Slavkine devient alors absolument singulière, qui ose, dans l’apparente unité de temps, de lieu et d’action de son texte, une écriture jamais linéaire, faite d’échappées belles, de collage, de rupture de style. Un air d’opérette, un tour de magie ou un compte rendu de voyage viennent interrompre le cours de dialogues eux-mêmes apparemment décousus. Le passé n’a plus de valeur en lui-même, mais est réinventé au gré des jeux des protagonistes. Le théâtre est dans tous ses états : l’identité des uns et des autres se brouille, tout comme la situation qu’on pensait familière.

Le texte porte la marque de ses origines : les années 1980 en URSS. Le projet communautaire de Petouchok était alors sans doute compris comme une réponse sympathique et dérisoire au délitement en cours de la société soviétique. Mais c’est bien une question plus générale – celle de la contemporanéité – qu’il soulève. Être contemporains, c’est partager un même temps. Qu’advient-il dès lors que le passé est la seule dimension du temps que l’on parvienne à partager ? « J’ai compris une chose : il n’y a rien. Rien d’autre que ce qui existait avant. », dit Petouchok, au début de la pièce, à la femme qu’autrefois il a aimé. Et plutôt que de signifier que rien n’a changé, que leur amour a survécu à l’usure du temps, il nous dit là que ce n’est qu’en disparaissant que leur amour a trouvé sa réalité. Comme si n’était partageable que ce qui était perdu.

Mais la pièce ne se complaît pas dans l’exploration du sentiment nostalgique. Elle en met au contraire en lumière les dangers et se fait apologie du jeu et du théâtre comme conditions d’un temps partagé. « J’ai eu l’impression… J’ai pensé que… maintenant, justement, nous pourrions vivre tous ensemble dans cette maison. » Ce sont là les derniers mots de la pièce et ils offrent (au moins) deux interprétations : soit l’idée d’une vie commune dans cette maison n’est devenue désirable qu’à l’instant où il était clair pour tous qu’elle n’était plus possible, soit la pièce s’arrête là parce qu’enfin vivre ensemble dans cette maison est devenu possible. Comme si le théâtre avait eu pour fonction de mettre à nu le cheminement permettant d’en arriver là, ou mieux, comme si le théâtre avait été le moyen de cette communauté. Au moins, le temps de la représentation aura été un temps partagé.
C’est cette seconde hypothèse qui, à mon sens, justifie qu’on s’intéresse aujourd’hui au Cerceau.

Laurent Gutmann

Production Centre Dramatique National de Thionville-Lorraine, Grand Théâtre de Luxembourg, La dissipation des brumes matinales.
Avec le soutien de l’Équinoxe, Scène Nationale de Châteauroux et du Théâtre du Jarnisy

Victor Slavkine

Victor Yosifovitch Slavkine est né en 1935 à Moscou. Il fait ses études à Moscou à l’Institut d’ingénieurs du transport ferroviaire et durant quelques années travaille sur des chantiers et dans des bureaux d’étude de construction.

Déjà à l’université, il participe activement aux ateliers artistiques amateurs et ses premières pièces sont jouées dans le fameux studio du théâtre universitaire de Moscou des années 60 : « Notre Maison ».

Dès 1961, il est publié dans les journaux et magazines comme auteur de récits humoristiques et écrit également pour la radio et la télévision. A partir de 1963, il se tourne définitivement vers le travail d’écriture. De 1967 à 1984, il travaille pour le journal populaire « Yunost » (Jeunesse) dont il est responsable de la rubrique satire et humour. En 1979, sa pièce Fille adulte d’un jeune homme est présentée au Théâtre Stanislavski à Moscou. La mise en scène est d’Anatoli Vassiliev qui par ailleurs réalisera la mise en scène du Cerceau au théâtre Taganka. Par la suite, cette pièce comme beaucoup d’autres (Le Mauvais appartement, Le Tableau, Une place pour fumeurs…) seront jouées dans de nombreux théâtres d’Europe et d’Amérique.

Victor Slavkine travaille aussi pour le cinéma. Certains de ses films d’animation dont il écrit les scénarios sont récompensés aux festivals internationaux de cinéma.
Le recueil de ses pièces et un livre, intitulé Mémorial pour un jeune zazou, sont publiés.
Ces dernières années, Victor Slavkine était occupé par un important projet de télévision «Le vieil appartement». Mêlant moyens documentaires et artistiques, 52 épisodes racontent l’histoire d’une journée dans la période allant de l’après guerre (1947) à l’an 2000. Pour ce scénario, Victor Slavkine a reçu le Prix d’État de la Fédération Russe et le Prix National de la Télévision «Téffi». « Gofmaniada » – un long-métrage, film d’animation d’après le scénario de Victor Slavkine, est actuellement en cours de tournage.

Laurent Gutmann

Il reçoit une formation de comédien à l’École de Chaillot dirigée par Antoine Vitez, puis au Théâtre National de l’Odéon, avec notamment Antoine Vitez, Yannis Kokkos, Aurélien Recoing, Jean-Marie Winling, Andrej Sewerine… Parallèlement, et après une Maîtrise de Sciences Politiques, il obtient un DEA de philosophie à Paris X Nanterre.

Avant de réaliser ses propres mises en scène, il travaille comme assistant de Jean-Pierre Vincent sur Les Caprices de Marianne et Fantasio d’Alfred de Musset, au Théâtre des Amandiers à Nanterre (1991 et 1992), et comme comédien dans Jeanne d’Arc au bûcher, oratorio d’Arthur Honneger et Paul Claudel, mis en scène par Claude Régy à l’Opéra Bastille.
En 1994, il crée sa compagnie (Théâtre Suranné) avec laquelle il réalise ses propres mises en scène : Le Nouveau Menoza, de Jacob Lenz (1994-95) ; Le Balcon et Ce qui est resté d’un Rembrandt déchiré en petits carrés et foutu aux chiottes, de Jean Genet (1996), Les Décors sont de Roger H, création collective (1996) ; Le Coup de filet de Bertolt Brecht (1997), La Vie est un songe de Calderon de la Barca (1997-1998) ; Œdipe roi de Sophocle, En Fuite –textes de Georges Perec, Nathalie Sarraute et Jean Genet– (1999) ; Le Retour au désert de Bernard-Marie Koltès, En route, création collective (1999-2000) ; Les Légendes de la forêt viennoise d’Ödön von Horvath (2001). A partir de 1999, la compagnie s’installe en Région Centre, associée à la Halle aux grains – Scène Nationale de Bois.
En 2002, il est lauréat du concours « Villa Médicis hors les murs » pour un projet de collaboration à Tokyo avec l’auteur et metteur en scène japonais Oriza Hirata ; dans la continuité de ce projet, il met en scène India Song de Marguerite Duras, avec des comédiens japonais, au Théâtre Agora de Tokyo.
Il anime par ailleurs de nombreux ateliers à Orléans, Grenoble, Strasbourg, Lima (Pérou), Barcelone et Tokyo.

En janvier 2004, il prend la direction du Théâtre Populaire de Lorraine qui devient CENTRE DRAMATIQUE DE THIONVILLE-LORRAINE puis obtient la labellisation CDN en janvier 2009.
En mai 2004, il présente Nouvelles du Plateau S. d’Oriza Hirata.
Il crée Splendid’s de Jean Genet en septembre 2004 et Les Estivants d’après Maxime Gorki en mai 2005, spectacle de sortie du groupe XXXV de l’École du Théâtre National de Strasbourg, où Laurent Gutmann a été responsable pédagogique associé.
Il écrit et met en scène La Nuit va tomber, tu es bien assez belle, spectacle à installer partout.

En janvier 2006, il recrée à Thionville Terre Natale de Daniel Keene, puis en mai de la même année, Lorenzaccio de Musset dont il assure l’adaptation en langue allemande, avec la troupe du Saarländisches Staatstheater. En janvier 2007 il crée Chants d’Adieu, une pièce écrite pour lui par Oriza Hirata. Le spectacle part en tournée trois saisons consécutives.
Je suis tombé, d’après « Au-dessous du Volcan » de Malcolm Lowry, a été créé en mars 08 au Centre Dramatique National de Thionville-Lorraine. Laurent Gutmann en a assuré l’adaptation et la mise en scène.

Création 12-17 octobre 09 – Centre Dramatique National de Thionville-Lorraine

Tournée 09-10 (sous réserve) :

Les 20, 22 et 23 octobre 09 – Luxembourg, Grand Théâtre

Le 27 janvier 10 – Vannes, Théâtre Anne de Bretagne

Le 9 février 10 – Saint-Brieuc, La Passerelle Scène Nationale

Le 24 mars 10 – Châteauroux, Équinoxe Scène Nationale

Le 30 mars 10 – Saintes, Gallia Théâtre

Ensorcelés par la mort

Le 31 janvier à 20h30
le 1er février à 16h
les 2, 6 et 7 février à 20h30

Des représentations hors-les-murs auront lieu durant la même période dans divers lieux de Vitry.

Texte français : Sophie Benech
Mise en scène : Nicolas Struve
Scénographie : Damien Caille-Perret
Lumière : Pierre Gaillardot

Avec :
Christine Nissim
Stéphanie Schwartzbrod
Bernard Waver

Production Studio-Théâtre de Vitry, coproduction Arcadi, en collaboration avec la Cie Trois-Quatre et L’oubli des cerisiers

Russie, début des années 90. L’URSS vient de cesser d’exister. Deux femmes, un homme parlent, tour à tour, du monde auquel ils ont cru. Des années durant ils ont fermé les yeux sur ce qui se passait au nom d’un rêve qu’ils avaient embrassé – un idéal de justice… Ils ont travaillé, se sont mariés, ils ont eu des enfants et, même s’ils ont parfois senti le vent de la répression passer sur eux, ils ont vibré pour Gagarine, les plans quinquennaux, le premier mai, pour un bonheur qui semblait venir ; puis, tout s’est effondré. Ils se sont retrouvés nus, leurs rêves enfuis, avec pour seule compagne une vie ayant perdu tout sens… Alors ils ont voulu mourir –– et ceux-là n’y sont pas parvenus. Un grand écrivain, Svetlana Alexievitch, les a rencontrés, les a fait parler.

Nicolas Struve

© Photo Luc Delahaye

SVETLANA ALEXIEVITCH

Née en 1948 en Ukraine, élevée en Biélorussie, Svetlana Alexievitch, après avoir été diplômée de l’école de journalisme de Minsk, travaille pour divers journaux et revues. Elle publie ses premiers récits en 1975 et se consacre, à partir de 1984, entièrement à l’écriture.
Titulaire d’une vingtaine de prix internationaux, figurant sur la liste des futurs lauréats du prix Nobel de littérature depuis 2001, Svetlana Alexievitch est d’abord un écrivain d’une probité rare possédant cette oreille d’une justesse absolue qui lui permet d’entendre au plus profond, au plus contradictoire, au plus humain, ceux avec qui elle s’entretient avant de rédiger ses ouvrages.
Ouvrages qui sont, le plus souvent, des polyphonies fouillant le cœur des hommes tout en se consacrant à de grands événements historiques : La guerre n’a pas un visage de femme pour la seconde guerre mondiale, les cercueils de zinc pour la guerre d’Afghanistan, La supplication pour la catastrophe de Tchernobyl, Ensorcelés par la mort pour la chute de L’URSS.
Ce caractère polyphonique ainsi que l’extraordinaire justesse des voix dont sa plume est la dépositaire expliquent le formidable intérêt des gens de théâtre pour l’écriture de Svetlana Alexievitch : rappelons les deux mises en scène de Les cercueils de Zinc par Didier-George Gabilly et Jacques Nichet, ainsi que les nombreuses mises en scène de La supplication.
Les livres de Svetlana Alexievitch ont été publiés en allemand, anglais, biélorusse, bulgare, chinois, finnois, hongrois, japonais, lituanien, néerlandais, roumain, russe, slovaque, suédois, tchèque, ukrainien, vietnamien.
En français : Cercueils de Zinc, Christian Bourgois éditeur, Paris, 1991, 2002. Ensorcelés par la mort, Plon, Paris, 1995. La Supplication. Tchernobyl, chroniques du monde après l’apocalypse, Jean-Claude Lattès, Paris, 1998/J’ai lu, 2000. La guerre n’a pas un visage de femme, Presse de la renaissance, 2004. Derniers témoins, Presse de la renaissance 2005.

NICOLAS STRUVE

Il a travaillé au théâtre comme comédien notamment avec Lars Noren dans À la mémoire d’Anna Politkovskaia, Claude Buchvald dans Vous qui habitez le temps, Le repas, L’opérette imaginaire de Valère Novarina et Tête d’or de Paul Claudel ; Christophe Perton dans Hop la, nous vivons ! d’Ernst Toller ; Alfredo Arias dans La dame aux camélias d’Alexandre Dumas ; Jean-Louis Martinelli dans Andromaque de Jean Racine ; Claude Baqué dans Bobby Fisher vit à Passadena et Eaux dormantes de Lars Noren ; Maria Zachenska dans Le babil des classes dangereuses de V. Novarina et Cette Nuit de M. Zachenska d’après F. Dostoievski ; Adel Akim dans La toison d’or ; Lisa Wurmser dans le Maître et Marguerite de Mikhail Boulgakov et La mouette d’A. Tchekhov ; Richard Brunel dans Casimir et Caroline de Odön von Horvath ; B. Lambert dans La gelée d’arbre d’Hervé Blutch ; Richard Demarcy dans Les voyageurs et les ombres de Richard Demarcy ; Bruno Abraham-Kremer dans Le pépin du raisin – Cabaret russe…
Il a mis en scène Une Aventure de Marina Tsvétaieva aux Rencontres Internationales de Théâtre de Dijon, il a dirigé plusieurs lectures de pièces traduites du russe par ses soins que ce soit au festival d’Avignon, au Festival Passages à Nancy ou au C.N.S.A.D. Il a été assistant metteur en scène et collaborateur artistique dans Devant la parole de Valère Novarina interprété et mis en scène par Louis Castel à l’école des beaux-arts d’Avignon (spectacle repris, entre autres, au théâtre du Merlan à Marseille et au théâtre du Cargo à Grenoble et au Théâtre Vidy-Lausanne…)
Au cinéma il a travaillé avec C. Lelouch et C. Denis.
Il a traduit du russe une dizaines de pièces d’Olga Moukhina, Anton Tchekhov, Nikolaï Erdmann, des frères Presniakov, Marina Tsvetaeva dont il a traduit aussi une correspondance (Clémence hiver éditeur 2007 – mention spéciale du prix Russophonie 2008, récompensant les meilleures traductions du russe).

Contact pour la diffusion :
Frédérique Payn
frederiquepayn@gmail.com
06 23 78 38 66

En tournée :
Au Phénix à Valenciennes, le 13 février 2009
Au Théâtre des sources à Fontenay-aux-Roses, les 6 et 7 mars 2009
À la Maison de la poésie du 12 au 28 juin

© Photo Marie-Christine Soma

Nous consacrerons les Ouverture(s) de mai à Axel Bogousslavsky, acteur au théâtre et au cinéma, en résidence au Studio-Théâtre avec Florence Pezon, cinéaste, dans une mise en jeu du texte autobiographique de Kaspar Hauser, mystérieux enfant sauvage trouvé un jour de 1828 dans une rue de Nuremberg…

Le vendredi 21 mai à 20h30

Kaspar

d’après le récit de Kaspar Hauser par lui-même
traduit par Jürgen Ellinghaus et Florence Pezon

une performance d’Axel Bogousslavsky
 
en atelier avec Florence Pezon
avec la complicité de Thomas Favel, opérateur lumière
et Vincent Villa, opérateur son
et les regards de Jérôme Tisserand et Thibault Vancraenenbroeck.

Production Studio-Théâtre de Vitry.

 » Prenez note :
Avis officiel,
Au nom de sa majesté le roi de Bavière.
Le 26 mai 1828
Un jeune homme a été trouvé à Nuremberg,
Qui,
Par son comportement proche de celui d’un idiot,
Attira sur lui l’attention des autorités municipales de police.
Prétendument nommé Kaspar Hauser
Et
Agé selon toute apparence de 16 à 18 ans,
Mais qu’il fallait bien plutôt le considérer,
En dépit de ses très bonnes dispositions naturelles,
Comme un être qui avait été totalement abandonné à lui-même
Quant à son développement intellectuel
Et
Qui ressemblait donc à un enfant encore privé de langage,
A qui le monde extérieur dans son entier est encore demeuré inconnu.  »

© A. Crews

Axel Bogousslavsky a joué au théâtre dans la plupart des spectacles de Claude Régy et avec les metteurs en scène Bruno Bayen (Stella) ; Jean-Michel Rabeux ; Xavier Marchand (Au Bois lacté) ; Jean-Baptiste Sastre (L’Affaire de la rue de Lourcine, Tammerlan) ; Etienne Pommeret (Drames brefs) etc.
Avec Daniel Jeanneteau et Marie-Christine Soma, il a joué dans la Sonate des Spectres de Strindberg en 2003, dans Adam et Ève de Boulgakov en 2007 et dans Feux d’après August Stramm en 2008.
Au cinéma, il a joué notamment dans le film de Marguerite Duras Les Enfants et a tourné sous la direction de Manoel de Oliveira dans Mon cas et d’Arnaud des Pallières dans Adieu.

Florence Pezon fait des films : I would prefer not to, Lieu de naissance, Résistance(s), Welcome out/in Sangatte, Vertige horizontal, Scenario du film Genie Kaspar et les autres, et mène depuis 2007 un atelier permanent avec des personnes ayant à voir avec la psychiatrie, élaborant un film collectif intitulé « Plusieurs fois la Commune ». Actuellement elle termine la partie Kaspar du film en diptyque « Genie, Kaspar et les autres ».

En mai-juin nous accueillons la création en résidence de TAHOE, nouvelle pièce de Frédéric Vossier écrite pour le metteur en scène Sébastien Derrey et ses comédiens. TAHOE est la deuxième partie d’un diptyque commencé avec MANNEKIJN, du même auteur, et mis en scène par Sébastien Derrey en 2012. Après cinq semaines de travail dans nos murs, nous présenterons Tahoe (en étape de travail) et Mannekijn, pour la première fois réunis.

vendredi 7 juin à 20h30 – TAHOE
samedi 8 juin à 19h00 – MANNEKIJN + TAHOE
dimanche 9 juin à 16h – MANNEKIJN + TAHOE
lundi 10 juin à 20h30 – TAHOE

MANNEKIJN / TAHOE

texte Frédéric Vossier
mise en scène Sébastien Derrey
lumière Rémi Godfroy (MANNEKIJN), Coralie Pacreau (TAHOE)
scénographie Sallahdyn Khatir
son Régis Sagot (MANNEKIJN), Isabelle Surel (TAHOE)
costumes Elise Garraud
administration Silvia Mammano
conseil production Claire Devins

avec

Frédéric Gustaedt
Catherine Jabot
Nathalie Pivain

MANNEKIJN
spectacle créé à L’Échangeur en 2012 production migratori K merado, avec le soutien du Ministère de la Culture et de la Communication / DRAC île-de-France, avec l’aide à la diffusion d’ARCADI, avec l’aide de Ramdam / Lyon, du Centquatre / Paris, d’Anis Gras / Arcueil et de L’Échangeur / Bagnolet – Cie Public Chéri

TAHOE Production migratori K merado, co-production Studio-Théâtre de Vitry, avec l’aide à la production d’ARCADI – établissement culturel d’île-de-France, avec le soutien du Ministère de la Culture et de la Communication / DRAC île-de-France, avec l’aide du Centquatre / Paris, de Théâtre Ouvert / Paris et de L’Échangeur / Bagnolet – Cie Public Chéri création à l’Échangeur en décembre 2013

le texte est édité aux éditions Quartett

TAHOE est la deuxième partie d’un diptyque commencé avec MANNEKIJN, une des premières pièces de l’auteur de théâtre Frédéric Vossier que Sébastien Derrey a mis en scène en 2012 à L’Echangeur. Après avoir vu le spectacle, l’auteur a souhaité prolonger l’expérience intense et joyeuse vécue avec l’équipe de MANNEKIJN, et a écrit, très vite, un texte sur mesure pour les mêmes acteurs et le même metteur en scène : TAHOE.

 » J’ai toujours pensé qu’il fallait aborder au théâtre la question de l’industrie du spectacle – de son pouvoir économique, social et idolâtrique. Le phénomène de la célébrité est un facteur de domination sociale qui s’exerce massivement sur les subjectivités. J’ai écrit Mannekijn il y a quelques années en partant de cette question. Sébastien Derrey et son équipe ont crée le texte. Il y a eu comme une évidence. L’évidence incalculable d’une rencontre artistique et d’une compréhension commune. Et donc est né un désir de continuer, d’apporter une étape qui suit. J’ai écrit pour eux, exclusivement, Tahoe. Avec ce texte, j’ai continué de tisser le fil de cette dramaturgie critique et cynique de l’Idole.  »

Frédéric Vossier

MANNEKIJN, sa pièce la plus à l’eau de rose selon l’auteur, est un théâtre de marionnettes vivant. Les clichés encombrent les têtes et collent les corps. S’y joue une description implacable de la violence de la domination, de son mécanisme. Au niveau moléculaire des mots on voit comment le langage devient instrument de la violence. Une deshumanisation est à l’œuvre. Malmenés, vulnérabilisés par la parole, les personnages ont des identités flottantes. Mots d’ordre, clichés, images publicitaires les recouvrent et rendent la perception de leurs vies très précaire. Derrière cette pellicule glacée perce pourtant la fragilité des corps et l’indéfini des vies.

Une mère rend visite à sa fille qui entretient une relation de couple très trouble avec un footballeur espagnol déchu. Cette ancienne star du football est l’objet de toutes ses curiosités. On ne le voit pas pendant longtemps. On l’attend. On l’imagine. Il n’apparaît que brièvement. Son apparition grotesque ébranle tout ce qu’on croyait établi. C’est un renversement. Quelque chose se trouble et notre regard en est contaminé.

Le néerlandais « mannekijn » a donné « mannequin ». L’étymologie dit : « petit homme », figure, « forme humaine », apparence, représentation de l’homme sous toutes ses formes, poupée, pantin, marionnette, statuette, figurine, avatar, point de jonction entre l’inanimé et l’animé, entre la chose et l’humain, entre le faux et le vrai.

MANNEKIJN a été créé en 2012 au Théâtre l’Échangeur – Avec l’aide de Ramdam/Lyon, du Centquatre/ Paris, d’Anis Gras /Arcueil – production Cie Migratori k. merado / avec le soutien de la DRAC (aide à la production) et d’ARCADI (aide à la reprise) / Le texte est publié aux éditions Quartett.

Dans TAHOE, les personnages ont pour nom les diminutifs des acteurs pour qui ils ont été écrits. Une succession de moments forment un récit elliptique librement inspiré des derniers jours de la vie d’Elvis Presley à Graceland, le manoir-mausolée où vivait « le King » entouré de sa cour. Mais on n’est pas obligé de s’attacher à cette référence. Ce qui compte ici, c’est moins les images telles quelles que leur force d’attraction et le jeu de regard qu’elles permettent d’instaurer avec le spectateur.

L’action se passe dans l’une des chambres de « la maison de la grâce ». Un lit grand et profond comme l’océan. Une salle de bains où l’on peut s’enfermer. On imagine autour un labyrinthe de pièces plus ou moins peuplé. On peut croiser des gens dans la propriété jusqu’aux abords du lac Tahoe. Les identités restent flottantes. On avance pas à pas. Voilà Freddy et Nath. L’intimité d’un couple. Kath pénètre cet espace clos. Sa fascination pour le pantin-roi (Freddy, star improbable) permet d’inventer, comme dans la reconstitution d’une scène symbolique, un semblant de distribution. Comme s’il suffisait que quelqu’un y croie pour que la fiction devienne réalité. Alors la vie arrive par improvisations successives. Vossier aime jouer avec ce que le spectateur peut reconnaître. Mais chez lui la sensation de « déjà vu » ne vaut que pour le moment où elle est contredite et troublée. Moment où le plus familier devient le plus étrange. La brèche ouverte alors laisse apparaître comme une blessure la domination des clichés sur les corps, dans les têtes, dans le langage. Quelque chose alors peut se décaler, gripper ou résister dans la machine. Un espace critique peut prendre forme. C’est ainsi que la lecture de MANNEKIJN nous a invitée à réagir au plateau, par une sorte de d’instinct de survie contre l’asphyxie. Nous avons choisi de nous engouffrer dans cet espace, qui est un espace de jeu, pour retrouver du mystère des vies et de la vulnérabilité des corps derrière les images. C’est ce même espace que nous allons continuer de creuser dans TAHOE, avec en plus la question de l’émotion.

MANNEKIJN nous entraîne avec des faux airs de vaudeville dans une zone trouble où on est suspendu entre violence glacée et burlesque. Mais TAHOE est un texte qui fait plus appel à l’émotion. Une émotion brute et directe qui lui donne des airs de mélo. Ce n’est pas vraiment un mélodrame, mais on y trouve des vrais moments mélodramatiques et des procédés qui visent à montrer l’émotion et à l’amplifier. Notamment par l’engagement dans le chant, afin sans doute, de réinvestir la parole et de l’écouter autrement. Le texte porte en son coeur la question dérangeante de l’émotion et de sa manipulation. En équilibre entre émotion transmise, spectacle de l’émotion et voyeurisme. C’est la question de la croyance au temps désenchanté où les rois solitaires, cyniques et dérisoires, ont perdu la capacité d’une écoute et d’une parole vivantes. Frédéric Vossier parle d’une sorte de « pourrissement du mélodrame », comme d’un coeur qui s’use.

La compagnie migratori k. merado est née en 2004 de la rencontre d’un groupe d’acteurs et de musiciens avec l’œuvre de l’écrivain Eugène Savitzkaya. Une équipe s’est constituée autour de Sébastien Derrey et Catherine Jabot, impliquant le plus souvent les mêmes acteurs et les mêmes partenaires techniques.
Concepteur et metteur en scène, Sébastien Derrey fait un travail de lecture. Il fore dans l’œuvre d’auteurs contemporains (Savitzkaya, Guyotat, Vossier), se ressaisit de questions qu’ils portent et qui toujours amènent à éprouver à nouveau et à s’interroger sur ce que le « commun » veut dire.
Avec ces auteurs apprendre à lire, à parler, et faire passer dans des corps vivants leur langue pour la donner et la recevoir.

Créations :
EST de Eugène Savitzkaya
Créé en 2005 au Théâtre de l’Echangeur, Bagnolet – Montevidéo Marseille, Ramdam Sainte-Foy-lès-Lyon, Théâtre Océan-Nord Bruxelles, NaxosBobine, Paris. Reprise en 2007 à Anis-Gras, Arcueil
production Cie Migratori k. merado

Célébration d’un mariage improbable et illimité, de Eugène Savitzkaya
Créé en 2006 au Théâtre de l’Echangeur – Anis Gras, Ramdam, La Fonderie, Le Mans, au Centre Wallonie Bruxelles, Paris et le « Lieu » à Tours.
production Cie Migratori k. merado
avec le soutien de la DMDTS et du DICREAM (aide à la création), d’ARCADI (aide à la production) et de l’ADAMI

EN VIE/Chemins dans la langue de Pierre Guyotat, adaptation de Sébastien Derrey, d’après les textes de Pierre Guyotat, Montesquieu et Buffon
Créé en 2010 au Théâtre de l’Echangeur – La Chartreuse de Villeneuve lès Avignon, au CENTQUATRE Paris, au CCN de Rillieux la Pape-cie Maguy Marin, et à Ramdam
production Cie Migratori k. merado – co-production CCN de Rillieux la Pape-cie Maguy Marin
avec le soutien de DRAC et d’ARCADI (aides à la production)

Mannekijn, de Frédéric Vossier,
Créé en 2012 au Théâtre de l’Echangeur –­ Le CENTQUATRE, Anis Gras, Ramdam
production Cie Migratori k. merado
avec le soutien de la DRAC (aide à la production) et d’ARCADI (aide à la reprise)

C’est à la suite de cette dernière aventure que l’auteur Frédéric Vossier a exprimé le désir de prolonger leur collaboration en écrivant un texte sur mesure pour la compagnie. Ce texte s’appelle Tahoe
Frédéric Vossier est né en 1968 à Saint-Martin de Ré. Docteur en philosophie (thèse sur Hannah Arendt et le totalitarisme), il enseigne la dramaturgie et la littérature dramatique contemporaine au Conservatoire de Poitiers, a fondé l’Atelier de Lecture Contemporaine en Poitou-Charentes, et intervient dans différentes universités en Arts du spectacle (Censier, Rennes, Poitiers, Tours). Il anime un atelier d’écriture au CDN de Nancy.

Frédéric Vossier assure les fonctions de dramaturge auprès du metteur en scène Jean-Pierre Berthomier (pour plusieurs créations dont Lisbeth de Fabrice Melquiot – coprod. TAP scène nationale de Poitiers), et auprès d’autres metteurs en scène pour lesquels il écrit des adaptations : Marie-Claude Morland, (La Confession d’un enfant du siècle d’Alfred de Musset, Théâtre du Trèfle Poitiers), Jacques Vincey (d’après Le Banquet de Platon pour la Comédie Française, à venir l’adaptation de L’Ombre d’Andersen pour le Théâtre du Nord), Madeleine Louarn pour laquelle il adapte Les Oiseaux d’Aristophane pour le Festival Mettre en Scène à Rennes et le Festival d’Automne.

Ses pièces de théâtre Jours de France, C’est ma maison, Bedroom eyes, Rêve de Jardin, La Forêt où nous pleurons, Mannekjin suivi de Porneia, Bois sacré suivi de Passer par les Hauteurs, Ciel ouvert à Gettysburg, Lotissement sont publiées depuis 2005 par Les Solitaires Intempestifs, Théâtre Ouvert, Espaces 34, et aux Editions Quartett.

En 2011/2012 : deux de ses dernières pièces ont été créées : Mannekjin, mise en scène par Sébastien Derrey au Théâtre de l’Echangeur Bagnolet et Ciel ouvert à Gettysburg, mise en scène Jean-François Auguste à Théâtre Ouvert Paris ; et deux autres pièces ont été mises en chantier : Bedroom eyes au 104 par Cyril Teste (IRCAM / Comédie de Reims), C’est ma maison par Stuart Seide à Théâtre Ouvert / Théâtre Octobre / Théâtre de l’Aquarium.

A venir, Prairie, sera créé par le Théâtre du Trèfle Cie conventionnée en novembre 2012 en Poitou Charentes.
Les pièces de Frédéric Vossier ont aussi fait l’objet de productions radiophoniques sur France Culture, avec Jérôme Kirscher, Françoise Lebrun, Mireille Perrier.

Frédéric Vossier a écrit dernièrement en réponse à une commande de l’école du TNB pour Stanislas Nordey (L’Amour & l’Ennui).

Nous retrouverons Lazare pour les Ouverture(s) de décembre avec la création de son prochain spectacle Rabah Robert. Rabah robert est le troisième volet d’un triptyque composé de Passé- je ne sais où, qui revient et Au pied du mur sans porte que nous avions accueillis en février 2010.

mardi 18 décembre à 20h30
mercredi 19 décembre à 20h30
jeudi 20 décembre à 20h30

Rabah Robert
Touche ailleurs que là où tu es né

texte et mise en scène Lazare

chorégraphie et assistanat à la mise en scène Marion Faure
scénographie, costumes Marguerite Bordat
lumières Bruno Brinas

conseil artistique Daniel Migairou

avec
Guillaume Allardi, Anne Baudoux, Benjamin Colin, Bianca Iannuzi, Julien Lacroix, Bénédicte Le Lamer, Mourad Musset, Giuseppe Molino, Yohann Pisiou

direction de production et diffusion Emmanuel Magis / ANAHI

production Vita Nova, coproduction Théâtre National de Bretagne/Rennes, Studio-Théâtre de Vitry, ARCADI, Théâtre Jacques Prévert d’Aulnay-sous-Bois, le Grand T à Nantes.

avec le soutien de La Fonderie /Le Mans, du Théâtre de Gennevilliers – centre dramatique national de création contemporaine, de l’Institut Français – ministère des affaires étrangères et européennes
avec le soutien pour l’écriture de Montévidéo/Marseille et du Fonds SACD Théâtre
avec le soutien de l’association Beaumarchais – SACD
création du 13 au 17 novembre dans le cadre du festival Mettre en Scène au TNB.

L’avant et l’après de la mort d’un homme s’agite dans la mémoire d’une famille. Il y avait un monde et en voici un autre. Libellule et ses sœurs ont glissé d’entre les murs pour voyager et se heurter à la vie de leur père et ses mystères, Rabah Robert. Ouria, la mère n’attend plus au pied du mur sans porte mais saute par dessus. Elle se lève la nuit pour peindre des tableaux à la Van Gogh, des chemins avec houles de blé, et devant elle rien d’autre que le pur espace de la saison. Tous, ils embarquent dans le train qui part vers l’innommé. Fanfare et mesure du sentiment. Grincement de nerf à l’instant du départ avec le chœur effiloché de chacun chantant seul la chanson de plusieurs. Si les enfants rêvent de leur père c’est pour le voir vivant, mais autre, séparé. Ils arpentent l’enfer d’un passé sous le crâne, le soleil au dessus qui distille le sang, où nous sommes fait et défait les uns par les autres tandis que le train file à toute allure.

Extrait de Rabah Robert :

Derrière la gare
la marche creusée dans le mur
où le souvenir de Rabah Robert est assis.

Il me regarde.
Je le regarde.
Miroir loin comme la nuit face à face.
Je suis heureux, il me regarde.
Je suis heureux, je le regarde.

Nous sommes proches, proches et saisissables.

« J’ai cherché longtemps le titre, je m’en suis tenu à Rabah Robert parce qu’il est l’évocation de deux pays séparés, loin et si proches. La France, un pays soudé à un autre, l’Algérie, qui tantôt disparaît tantôt apparaît à la surface. »
Lazare

LAZARE

Né le 29 mars 1975 à Fontenay aux Roses. Nationalité française.

Est auteur, metteur en scène, acteur improvisateur. Comédien formé au Théâtre du Fil (théâtre de la protection judiciaire) puis à l’École du Théâtre National de Bretagne, de 2000 à 2003 par : Stanislas Nordey, François Tanguy, Claude Régy, Loïc Touzet, Bruno Meyssat , Frederic Fisbach, Marie Vayssière, Renault Herbin, Philippe Boulay et François Verret.

il écrit et met en scène :
• Orcime et Faïence, présenté au T.G.P de Saint-Denis en 1999.
• Cœur Instamment Dénudé – présenté au Lavoir Moderne Parisien en 2000.
• Purgatoire – au Limonaire à Paris en 2000.
• Les morts ne sont pas morts – les cendres sont germes – je ferme les yeux et viens me perdre dans l’eau qui dort (Le prélude de Passé – je ne sais où, qui revient) a obtenu une bourse d’encouragement du Centre National du Théâtre en novembre 2007. Création en août 2008 au festival de Langlade (Lozère)
• Passé – je ne sais où, qui revient. Cette pièce a reçu une bourse de création de la commission théâtre du Centre National du Livre, en juin 2007. En février 2008 : mise en voix du texte à la Fonderie, au Mans, puis au théâtre des Bouffes du Nord à Paris. Du 7 au 21 février 09 : création du texte et mis en scène par l’auteur au théâtre l’Échangeur à Bagnolet. Cette pièce à reçu l’aide à la création de la DRAC Île-de-France.
• Au pied du mur sans porte a été créé au Studio-Théâtre de Vitry en février 2010, puis repris au festival « Mettre en scène » du Théâtre National de Bretagne en 2011.

en 2006 il fonde la compagnie VITA NOVA

au théâtre il joue sous la direction de : Claude Merlin (Nocturne à tête de cerf – 2000, et La Sirène de Pascal Mainard– 2005 ; Théâtre de bouche de Ghérasim Luca– 2009), Ivan Stanev (Le bleu du Ciel de George Bataille, Berlin, Lille Rose des vent – 2000) Stanislas Nordey (Atteintes à sa vie de Martin Crimp, TNB à Rennes – 2004) et Le triomphe de l’amour de Marivaux (TNB et Nanterre-Amandiers – 2005) Pascal Kirsch et Bénédicte Le Lamer : Mensch (Odéon – Ateliers Berthiers – 2007)

Au cinéma il joue sous la direction de Nicolas Sornaga (« Mr Morimoto » – 2007, « Chose rose Loula » – 2009)

En tant qu’auteur et acteur improvisateur, Lazare travaille pour le chorégraphe François Verret pour la préparation de son spectacle Sans retour, en 2006. Il fait de nombreuses improvisations (poésie spontanée, récits noirs, chutes et drames instantanés), seul ou accompagné de musicien.

• en juin 2005 Au théâtre des Bouffes du Nord pour le festival La Voix Est Libre, avec Elise Dabrovski ; en mai 2007 avec Benjamin Colin, en mai 2008 avec Jean François Pauvros, et en mai 2009 avec Balaké Sissoko

• En duo avec Benjamin Colin, il crée le spectacle d’improvisation Les chambres de hasard à la Guillotine, à Montreuil en 2006. Ils sont accueillis en résidence à la fondation Royaumont en 2008, puis dans de nombreux festivals. Ils participent tous les deux à la tournée franco Malienne du Griot au slameur (de mai à décembre 2008 ).

Textes édités :

• Trajectoire : Revue trimestrielle FRICTIONS n°5 en 2002
• Passé – je ne sais où, qui revient :
Première parution aux éditions L’ÉLASTIQUE en février 2009.
Une deuxième parution aux éditions LES VOIX NAVIGABLES en novembre 2009

En mars-avril nous accueillerons la création en résidence de MILF, pièce chorégraphique de Katalin Patkaï, en collaboration avec le graphiste Frédéric Teschner. MILF est un conte futuriste, une promenade sans but « dans des mondes inconnus et invisibles ».

vendredi 12 avril à 20h30
samedi 13 avril à 20h30
dimanche 14 avril à 16h
lundi 15 avril à 20h30

MILF

chorégraphie, interprétation Katalin Patkaï
interprétation Anna d’Annunzio
interprétation Justine Bernachon
interprétation Zsuzsa Féjer

collaboration artistique Frédéric Teschner
Coproduction : Studio-Théâtre de Vitry / CCAS / KBOX & CO
Mécénat : Diderot RealEstate

 » Je vais ouvrir un café à Pantin. Un café où les femmes seront les bienvenues.
Parce que dans mon quartier à Pantin aucune femme ne rentre dans les cafés, ils sont réservés à la clientèle masculine.
Ce n’est qu’à l’heure du pain au chocolat qu’elles apparaissent pour repartir bambins sous le coude.
Mais avant, je vais faire MILF. MILF ou ouvrir un café aux femmes à Pantin c’est pareil.
Même logique.
Cela se passe dans un NO MAN’S LAND, à entendre par land of women, terre de femmes, terre de feu.
Un petit îlot répandu
« Dans les forêts, dans les villes en braises rouges, au-dessus de la mer, sur les collines parfumées… »* C’est là.
Il faut se déchausser, se camoufler et se tapir, ne plus faire un bruit, chut, à coup sûr, Elles viennent.
Je flaire, Elles sont légions

Endurantes, pas endurcies
Larmes ou serpillières
Je pense donc j’essuie.

Au-dessus du volcan marmite,
Bout le ragoût dégoût

C’est délicat ou pas,
Ça a la rage, sûrement

Pas pas pas pas encore encore encore encore
Un volcan ça couve ?

L’enfant lave toutes tes peines
Mystère de l’amour au-delà
Dans ses yeux se reflète la bête bonheur

Maintenant, Médée regrettes-tu ?
J’ose comprendre ton geste à la mesure de tes amours
Immense d’horreur
Le volcan crache son sang

Le goût de l’enfant
Une chanson jazzy fredonnée qui t’accompagne pour toujours
Chair de ta chair délicieuse
Peau de chagrin  »

Louves, MILF.
Katalin Patkaï
* Brigitte Fontaine, Areski, le bonheur 1975

© Piroska Simonyi

La chorégraphie s’élabore à partir de témoignages oraux de femmes ayant (eu) des enfants.
Les états de corps et les mouvements des interprètes expriment un état psychique et physique de femmes en (r)évolution avec leur corps.
Ils rendent compte d’une expérience de métamorphose.
Ils joignent deux états, physique et moral, différents.

Je nomme parcours (chorégraphique), le développé du mouvement qui modifie la vision d’un corps ordinaire.
A le point de départ : une femme se tient debout on peut percevoir le corps dans sa vérité ordinaire.
B point d’arrivée : la femme n’offre plus à voir qu’une partie de son corps sous un angle déformant.
Le mouvement : le parcours entre A et B et l’enjeu chorégraphique.

Mouvement
J’établie le mouvement comme une suite/gamme de poses.
Dans ma tête une série de dessins inscrite au fur et à mesure d’improvisations guidées.
Un mouvement cinétique à la Muybridge qui dévoile l’organisation du corps.
Un corps qui semble obéir à une loi inconnue.
Cette manière d’écrire un mouvement me permet de m’attarder et de m’attacher à la structure du corps, à son expression morphologique.

Rythme
Ici la lenteur d’exécution agit sur la rétine comme une suite d’images.
Le principe tiendrait presque des peintres expressionnistes, si je ne leurs préférais le plus contemporain Francis Bacon. On y discerne les formes mais également la trace ayant donné naissance à cette forme. La netteté de cette dernière n’étant pas totale cela permet au spectateur de porter sa vision « au-delà » du tableau.

« A » comme animal
Bien qu’inspirée par la peinture, je m’inspire aussi de la grâce naturelle de l’animal en mouvement. J’aime par dessus tout la pesanteur molle et assurée du félin, la détente d’une biche surprise, et l’état d’alerte de la plupart des animaux.
Sans faire d’anthropomorphisme, la qualité organique de leurs déplacements atteint des sommets d’émotion. Je recherche cette qualité.
La lenteur évoquée plus haut, rejoint l’idée de l’animal aux aguets, renvoie à la transformation biologique, au rythme de la nature dans son ensemble. Même si ce rythme peut s’accompagner de violents à-coups, d’accélérations et d’immobilités.
Ici, précisément sur ce spectacle, je me suis intéressée à l’isolement de parties du corps. Le loup par exemple, a la capacité d’isoler sa tête sans engager la globalité de son corps. Appliquée à l’homme, cette qualité de mouvement produit un effet déshumanisant et inquiétant.

Registre
Encore un peintre en référence : Jérôme Bosch.
La stupeur engendrée par le grotesque, l’absurde et le débordement dans les scènes de Bosch relègue en second la qualité et la composition de sa peinture.
C’est un phénomène que j’admire : le fond prend le pas sur la forme alors même qu’il dépend d’elle.
Pour moi c’est le caricaturiste du moyen-âge Flamand, un artiste qui peint son actualité et démasque sa société.
Les hybridations et les monstres que ma chorégraphie engendre passe par une étude empathique de mes semblables. Héroïne et victime à la fois, la femme dont je parle est double, triple et plus encore.
Perpétuel processus de métamorphose : adaptation, camouflage, mutation ?

Katalin Patkaï
Fille du sculpteur hongrois Ervin Patkaï, Katalin cherche avant tout à fuir une filiation trop évidente en s’inscrivant à la Sorbonne. Après une licence de lettres modernes, elle passe le concours de l’Ecole Nationale des Arts Décoratifs de Paris. En 2000, avec son diplôme de scénographe, elle s’engage dans la danse contemporaine qu’elle vient de découvrir : d’abord comme scénographe auprès des chorégraphes Arco Renz, Marion Ballester et Marie-Jo Faggianelli, puis avec ses propres pièces : Spatialisation sonore pour un danseur (2002), qui soude une collaboration avec l’interprète et chorégraphe flamand Ugo Dehaes.
Vient ensuite X’XY (2004), Appropriate clothing must be worn (2006), Rock Identity (2007), Sisters (2008), la même année Daniel Larrieu lui remet le prix SACD du Nouveau talent chorégraphique. Puis, de sa rencontre avec l’artiste pluridisciplinaire Yves-Noël Genod, naît C’est pas pour les cochons (2009), une fable improbable qui réconcilie Nature et Artifice, Rousseau et Baudelaire.